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"5 Rules"

5 reglas para sobrevivir o que aprender en la escuela de Arte, aplican muy bien para la de Diseño, así que aquí les compartimos las recomendaciones que nos dan Andy Baker y Thomas Slater creadores de esta divertida animación.

¡Esperemos les guste :D!

atte.

Team H2 

Hoy es día de blog! Y como lo habrán notado esta semana estaremos hablando de la escuela Cranbook.

Cranbook Educational Community fue fundada a principios del siglo pasado (1932) en Michigan, Estados Unidos, por George Gough Booth. Este complejo escolar cuenta con las escuelas Cranbook, la academia de Arte Cranbook, un museo , un instituto de ciencias, una iglesia y un “House of gardens”.

Cranbook Art Academy tiene la finalidad de potenciar la creatividad de los creadores americanos a través del trabajo en comunidad y tiene como slogan “Formar estudiantes de alto entrenamiento y talento en un ambiente favorable bajo el liderazgo de artistas de destacadas capacidades”.

El primer director de la Cranbook Art Academy fue Eliel Sarineen, quien integro el diseño con teorías del movimiento Arts & Crafts (ver antigua entrada). El decía que Cranbook no era una escuela de arte, sino que esta era un espacio para creearlo, además de que el arte no podía ser enseñado si no que cada alumno era su propio maestro, pero el estar en contacto con artistas podía abrir el espectro a la creación.

Cranbook considera el diseño como una actividad multidisciplinaria impartiendo cursos desde cerámica, diseño textil, diseño de interiores, diseño de producto, arquitectura hasta planificación urbana.

Dentro de los principios de Cranbook se encuentran los lineamientos del “Good Design”, así como el uso de lo funcional, la investigación de nuevos materiales y la ergonomía para lograr objetos mejores y simples.

Dentro de los alumnos mas destacados en la historia del diseño que esta escuela generó están Charles Eames, Ray Kaiser, Eero Sarineen, Harry Bertoia, Florence Knoll (no se graduó), entre otros.

Dentro de los objetos mas representativos que podemos apreciar de artistas que salieron de esta escuela están los de Charles y Ray Eames, la diamond Chair de Harry Bertoia, la tulip stuhl de Eero Sarineen, entre otros mas.

En fin, esta escuela nos ha dado grandes exponentes del diseño que hoy en día la mayoría de los diseñadores admiramos, pero no hay que olvidar que una vez ellos también fueron alumnos como nosotros, lo importante de todo esto es saber lo influyente que es la educación para un diseñador, ya sea impartida o por mano propia, ya que esta nos va a dar las herramientas para poder lograr ser los mejores.

Atte. RossMg

Esta semana vamos a hablar de una escuela importante en la historia de Estados Unidos, en donde se formaron prácticamente las bases del diseño Industrial Norte Americano como lo conocemos ahora, para tener una breve idea de lo que estamos hablando pueden visitar el siguiente link <http://hvppy2gether.tumblr.com/post/76998678221/american-industrial-design-design-in-a-nutshell> esta escuela es Cranbrook, para ser mas exactos Cranbrook Academy of Art.

En 1984 el New York Times publico que Cranbrook, sus graduados y su facultad han tenido un profundo efecto en el entorno  y en el desarrollo económico de Estados Unidos, graduaron a Charles and Ray Eames, arquitecto y pintora que demostraron ser grandes diseñadores industriales, y a otra serie de talentos, en diversas áreas como la arquitectura, el arte y diseño, por todo esto Cranbrook es sinónimo de Diseño Contemporáneo Americano, la pregunta es ¿A que se debe esto? y mucho tiene que ver por la manera en que solían/suelen enseñar.

El primero en liderear la escuela en 1932 fue Eliel Saarinen, el tenia la visión de fusionar las teoría y las práctica del diseño, desde el movimiento Arts and Crafts hasta el diseño internacional, esto en mi opinión llevo a construir una fuerte identidad de lo que ahora es el diseño norte americano, ya que teniendo en cuenta lo que se construía en la región desde tiempos antiguos y fusionándolo con las bases del diseño internacional, crearon esta formula de funcionalidad y estética, que nos trajeron muchos productos que  a pesar de haber sido diseñados en los 60’s o 70’s son atemporales e iconos del buen diseño.

Su método de enseñanza es muy particular, ya que en el se tiene un grupo de entre 10 y 16 alumnos por clase estudiando bajo un solo proyecto guiado y supervisado por un artista o diseñador que este haciendo una residencia en Cranbrook (hacer una residencia es cuando invitan a alguien a generar un proyecto y viene desde lejos por un tiempo limitado) entonces toda esta experimentación y buenas bases, hicieron de la educación de Cranbrook significativa para sus alumnos.

Todo esto me hizo reflexionar sobre la platica que tuve con la diseñadora jalisciense Laura Noriega hace dos semanas, la cual visito Monterrey para impartir un laboratorio de creación de producto con nuestros amigos de Dstrto, al cual llamó “el objeto del proceso”,  en lo personal Laura es un gran ser humano, así como una gran diseñadora y se preguntaran de momento ¿Y esto que tiene que ver con Cranbrook? pues mucho, me comentaba que regresando a México después de su experiencia en el extranjero el primer contacto que tienes con el país es la artesanía, sobre todo por que a veces vienes con amigos extranjeros y quieres regalarles algo, y pues que mejor regalo que una pieza altamente mexicana, en sus viajes regresando a México pudo observar que varios de los talleres estaban abandonados o los hijos de los artesanos no quisieron seguir con la tradición, Laura comentaba que regalando artesanía estamos dando un poquito de México, por que lo que yo entendí en términos simples que la artesanía es como esta representada nuestra identidad desde tiempo ancestrales. 

Cronológicamente  después de toda esta experiencia Laura coincidentemente es asignada para dar una clase en vinculación con un taller de artesanía,  parecería que el destino la acerco hacia esta práctica, me comento que las nuevas generaciones de diseñadores tienen una percepción diferente sobre la valorización de la artesanía ya que antiguamente se hacía una diferencia notable ya que el diseñador no quería  ponerse a la par con el artesano, por lo cual le hice la siguiente cuestión, en cuanto a tu diversa educación, ¿como crees que influyo como diseñadora?, menciono desde el sentido paternalista de la educación en México, hasta el polo opuesto donde tu como estudiante eres completamente autónomo experiencia que vivió al estudiar en Japón donde nadie anda atrás de ti, si entregas bien y si no también, en intermedios hablando sobre su experiencia en Barcelona, Chile y Milán en este último estudio la Maestría en Arquitectura de Interiores, toda su educación la lleva finalmente a comprender y formular una valorización por lo que tenemos en nuestro país y a desarrollar diseño a través de eso. 

El Objeto del Proceso, es una metáfora literal de lo que aprendió de múltiples experiencias a lo largo de su carrera y cada exposición en el extranjero, me comento que debes amar el proceso de generación, y cuando el producto de este proceso sale al mundo ya no te pertenece a ti, le pertenece al mundo, ya que el trabajo trabajo es, y al final nosotros no somos el producto mas bien lo que proyectamos de nosotros como diseñadores esta implícito en el proceso.

Laura Noriega ha vivido un método similar al de Cranbrook al irse a trabajar directamente con los artesanos, uniendo las bases del diseño, teorías y practicas, con la labor de los artesanos, teniéndolos a ellos no solo como maestros, si no como guías y fuente directa de inspiración, compartiendo el conocimiento para trabajar la materia, actualmente ha aprendido y aplicado 11 técnicas artesanales: Metalistería, tejido Otomi, vidrio soplado, arte Huichol, barro canelo, por mencionar algunas.

La artesanía finalmente es un proceso de reproducción, el artesano trata de hacer cada pieza mas fiel en repetición, lo cual lo convierte en un proceso muy básico industrial, así que en mi reflexión podemos seguir el método de Laura para conseguir una identidad del diseño mexicano, la cual existe en nuestra carga genética y en todas estas muestras de artesanía y herencia artesanal, así como Cranbrook pudo levantar la economía de un país fusionando el Arts and Crafts con la teoría y la práctica del diseño internacional, por que no hacerlo del mismo modo en México tomando de ejemplo a seguir a Laura Noriega, a quien agradezco haber conocido y su apertura por compartir su experiencia, percepción y proceso de diseño.

“El Amor al proceso de la generación”

-Laura Noriega 

Gracias por leernos :D

atte.

Bty.mtz

Pd. Para mas información pueden visitar http://www.lauranoriega.net

Fotos Tomadas de http://www.lauranoriega.net

El ICSID (International Council of Societies of Industrial Design) nos comparte que es el Diseño Industrial :D, espero disfruten este corto  pero bastante significativo video.

Feliz inicio de semana.

atte.

H2 Team

Pd. Si mal no recuerdo este video fue la compilación de significados que sacaron tras una convocatoria del día del Diseñador Industrial en el 2013.

Y hoy es día de blog :D! Y como ya lo habrán notado esta semana estaremos hablando sobre los juegos olímpicos modernos, se preguntaran porque les digo “juegos olímpicos modernos”, pues esto se debe a que los primeras versiones de los juegos olímpicos se sucedieron en Grecia.

Los primeros juegos olímpicos se celebraron en la ciudad de Olimpia en Grecia (de ahí olímpicos). Los antiguos juegos olímpicos se celebraban entre ciudades estado y servían para generar tregua entre estos (al menos por mientras se celebraban los juegos). Dentro de estos juegos se presentaban competencias deportivas, pentatlones, lanzamiento de disco, jabalina, combates, carreras, carreras de caballos, entre otros.

Existen muchas leyendas acerca de cómo nacieron los juegos olímpicos, pero por esta vez contaremos la versión de  Pausanias (historiador), el mito cuenta que Heracles y sus hermanos corrieron a Olimpia para como método para entretener a Zeus que acababa de nacer, Heracles ganó  la carrera y lo coronaron con, valga la redundancia, una corona de olivo y de ahí nació la costumbre de celebrar este tipo de actividades cada 4 años.

No hay una fecha exacta de cuando se iniciaron los juegos olímpicos, pero la mas aceptada es en el año 776 antes de Cristo.

Los juegos olímpicos se hacían en honor a Zeus, pero con la llegada de los romanos los juegos se fueron perdiendo y se dice que su última fecha fue entre 393 y 426 antes de Cristo.

La concepción de renacer los juegos olímpicos comenzó con la guerra de independencia de Grecia, pero no fue hasta 1859 que gracias a un filántropo griego (Evangelos Zappas) patrocino los primeros juegos en Atenas. De estos primeros juegos olímpicos se derivaron los juegos olímpicos internacionales que son los que actualmente se celebran.

Bueno ahora si hablando de diseño, este juega un papel muy importante dentro de los juegos olímpicos ya se tiene que generar toda una nueva identidad, desde el nombre, los uniformes, las mascotas, absolutamente todo tiene que tener un diseño distintivo que represente a la cede de los juegos.

 

Una época importa para México en cuanto el diseño fueron los juegos olímpicos del 68, ya que en esa época México era un país primer mundista, además de que había mucha inversión e interés por el impulso del diseño.  México 68 represento una concepción del diseño mexicano la cual abarco iconografías, modas, estampillas, entre otras cosas las cuales nos posicionaban en un futuro muy prometedor, con el paso de las épocas y el reposicionamiento de México como país emergente, todo el impulso e interés que había por el diseño se fue perdiendo y  solo en la actualidad esta empezando a tomar fuerza otra vez.

Si bien los juegos olímpicos de invierno de  Sochi nos han inspirado para hablar esta semana de los juegos olímpicos, es importante saber la historia e importancia que el diseño puede tener dentro de estos juegos.

 

Atte: RossMg

3 maneras en las que el Diseño ha echo mas interesante a Sochi 2014

1-Identidad grafica que nos trae al HOY

La agencia de diseño rusa Bosco fue la responsable de hacerle honor al Diseño (Gráfico) en estos Juegos Olímpicos de Invierno. Donde podemos ver un salto muy interesante de sus antecesores en Vancouver 2010 y Londres 2012.

Sochi 2014


Vancouver 2010

Londres 2012

http://www.boscosport.ru/

2. Uniformes Épicos.

Siempre dan de que hablar los uniformes de las distintas delegaciones en la ceremonia inaugural de los juegos olímpicos; pero los uniformes mas interesantes para analizar, a los que se les pone un poco mas de tiempo, diseño y tecnología son los uniformes de competencia.

Esta vez NIKE desarrollo un uniforme para el ski y showboard realmente épico. Como mencionan Ken Black, el director creativo:

"El Kit de competición  de invierno fue creado para la cero distracción, fusionando lo mejor de la innovación de Nike con la estética adecuada para snowboarders. Hecho para el movimiento, el juego es completamente funcional y se adapta desde la montaña hasta el pueblo, vistiendo a los deportistas de una manera que paga respecto a la montaña, pero también es auténtica en el deporte”.

http://nikeinc.com/nike-snowboarding/news/nike-sb-winter-competition-kit-innovative-snowboard-and-ski-uniforms-unveiled#/inline/27202

  

4. Bobsleigh tunneado

Durante una clase de Materiales la profesora nos dijo que si queremos saber que es lo mas nuevo en cuanto a materiales e innovación pongamos atención a los Juegos Olimpicos.

En esa ocación nos mostro el LZR Racer de Speedo, que lanzaron casi a la par de Londres 2012, Traje que utilizo el equipo de natación de Estados Unidos, el cual utilizó Michael Phelps, el deportista olímpico más condecorado(con 22 medallas).

http://www.speedo.es/es/s111technologies/technologies/lzrracer_2/categorypage_2.html

 

Ahora los ojos están sobre el Bobsleigh del Estados Unidos, pues fue rediseñado por Michael Scully y BMW, para mejorar los tiempos que tenían en este deporte, buscando sacarlos de la racha perdedora de años atras. Esto lo lograron a través de una mejora en el diseño, haciendo mas aerodinámico y con una estructura de fibra de carbono.

http://www.latimes.com/sports/olympics/la-sp-c1-bobsled-20140207-dto,0,4114983.htmlstory#axzz2tuRGZnJK

Y estas fueron algunos de los porque o datos curiosos de como el diseño hace mas interesante a Sochi 2014, espero que hayan disfrutado y descubierto como el diseño esta en todas partes.

- EdnaA

Hemos notado que en el aire esta el tema de los Juegos Olímpicos de Invierno, entonces hablaremos de eso, pero sin el invierno, osea solo los Juegos Olímpicos, llamados así por celebrarse en la antigüedad en Olimpia.

Los Juegos Olímpicos de la era moderna, se inspiraron en los de la antigua Grecia y son una celebración que reúne a casi todos los países del mundo para crear una sana competencia y ver a lo mejor del deporte mundial en ciertas ramas, pero lo importante no es ganar, es participar, como dicen por ahí “lo importante no es haber vencido si no luchado bien”, pero bien ¿que tiene esto que ver con el diseño?, realmente es una oportunidad que genera demasiado diseño en todos los aspectos habidos y por haber, desde gráfico, hasta industrial, arquitectura, y el espectáculo que se brinda cada 4 años desde 1896.

Desde la primera olimpiada moderna en Atenas se destina un fideicomiso para invertir en infraestructura en la ciudad donde se llevaran acabo los juegos, cada año se diseña una antorcha olímpica diferente, estadios, recintos deportivos, uniformes, el pebetero, el evento de apertura y de clausura, la villa olímpica, objetos que funcionan dentro de la villa olímpica, señaletica, boletos, promocionales, la tecnología que cada marca deportiva desarrolla para los atletas etc.

Si mal no recuerdo el primero logo de una olimpiada en la historia fue el de 1924 y fue muy básico, a mi parecer reflejaba aquella época, cada 4 años se suele lanzar una convocatoria para el logotipo de la olimpiada del cual posteriormente se derivan toda la identidad de los objetos alrededor de esta (de la arquitectura creo que no, pero creo que deberían hacer un esfuerzo por unificar todo el concepto), solo con excepción de esta próxima olimpiada, ya que para Brazil se contrato a un estudio de diseño brasileño para crear su identidad, lo cual en mi opinión no veo mal ya que siendo la capital del diseño latinoamericano será interesante ver que proponen hablando en términos de afiches, mascota, e iconos de cada deporte.

Pero bueno hablemos específicamente de lo que a mi en lo personal me llama mas la atención que es la Antorcha Olímpica, el lenguaje de este objeto es increíble, en muchas antorchas se puede notar claramente la época, en otras por ejemplo la alusión al país donde se celebra la olimpiada, comencemos a hablar de antorchas, la del 48 y el 56 son igualitas pero por lo que investigue el diseñador se inspiro en la de Londres 1948, y yo se que se aprende copiando, pero lectores les pido un favor enorme, sean conscientes de la fina línea entre inspiración y copia, continuando con el tema la antorcha de Tokyo 1964 es una total afordancia a una espada Samurai, y por el mismo camino va la de Munich 72 esta fue la primera antorcha de gas, de mis favoritas esta la de México 68 fue una muestra perfecta de como lograr que un gráfico se convierta en un objeto en esta olimpiada por primera vez una mujer enciende el fuego olímpico, otra de mis favoritas es la de Montreal 1976 esta antorcha fue por primera vez  un láser y a su vez fue monitoreada por satélite desde Atenas hasta Ottawa (dato curioso: el logo de Montreal 76 es genial refleja muy bien la época), después de esto las olimpiadas de invierno dieron paso a lo que sería la era moderna de las antorchas olímpicas estéticamente hablando, ya que por primera vez en la Olimpiada de Invierno de 1992 nada mas y nada menos que Phillipe Stark fue el encomendado diseñador de esta antorcha, increíble ¿no? ya que jamas la enseña en sus portafolios, esta antorcha parece un colmillo orgánico de acero inoxidable, seré sincera de Barcelona 1992 todo me gustaba menos la antorcha de la olimpiada de verano la cual creo que se fue al otro extremo de lo que diseño Stark. 

Pausare para dar un dato curioso, hasta antes del 1994 la Olimpiada de Invierno se celebraba el mismo año que la Olimpiada de Verano, pero ese año fue con dos años de separación entre invierno y verano generando así una nueva tradición de celebrar cada 2 años una Olimpiada.

Después de la breve pausa quería continuar con las antorchas que me gustan, pero me di cuenta que hay un par que no me gustan, y a pesar de que grandes monstruos del diseño las idearon, me cuestione ciertas cosas, la antorcha de Atlanta 1996 es un diseño muy bien logrado tomando como referencia la antigua Grecia y sus antorchas, la parte donde termina la antorcha esta ligeramente abierta y es donde estaba depositada la flama, pero tuvieron que modificar el diseño por que la flama no se veía, después pasamos a Nagano 98 esta olimpiada de invierno la recuerdo mucho por que fue la primera vez que yo recuerdo que transmitieron en televisión abierta varios eventos de la olimpiada bloqueando la transmisión normal por dos horas o cuatro horas, pero hablemos de la antorcha, es un bonito diseño japonés inspirado en el Taimatsu (el taitmatsu literalmente es una antorcha tradicional japonesa gigante), el diseño es muy limpio y se jactaban de que era eco-friendly, esta antorcha utilizaba gas propano, estaba hecha de aluminio y si la vemos de vista aérea nos simula un diamante, en palabras del diseñador esto era para evocar los cristales de hielo y el color plata emulaba el sentimiento del invierno, Sydney 2000 ¿Que pasa Sydney? los japoneses toman elementos y los abstraen muy bien, y los australianos salen con un diseño de alguien que empieza apenas en la carrera universitaria de diseño, alguien que solo unió elementos (es mi humilde opinión, ustedes están en su derecho de cuestionarme), de una manera muy literal el Sydney Opera House, un boomerang y con el color azul el océano, se ven representados, en general es un buen diseño solo que deficiente, unos 15 minutos mas de exploración y síntesis y otra cosa hubiera sucedido, el recorrido Atenas-Sydney solo duro 10 días, ¡si que están cerca!, continuamos Salt Lake City 2002, es una bonita antorcha estéticamente hablando, pero no comprendo bien el mango la verdad o tal vez el cromo en la foto esta haciendo un efecto raro, esta antorcha tiene un significado especial y este diseño combina la estética, la función y la emoción, el mango es puro cromo, el cuerpo es aluminio con acabado mate y un print que simulara el fuego olímpico y se extiende hasta la punta donde verdaderamente yace el fuego, protegido por una parte de vidrio, este diseño esta muy bien logrado ya que transmite perfectamente el motto de esos juegos de invierno el cual era “Light the fire within” lo curioso, todas las personas que corrieron ese año con la antorcha desde Atenas hasta Salt Lake City fueron familiares de aquellos que fallecieron en los ataques del 11 de Septiembre del 2001 en Nueva York.

Y aquí volvemos al origen, Atenas 2004, hace 10 años y aun parece que fue ayer esta celebración, la antorcha fue ideada por el Diseñador Industrial  Andreas Varotsos, esta antorcha refleja perfectamente el futuro, Varostsos busca un balance entre lo antiguo y lo moderno, haciendo un balance entre forma y materiales, lo antiguo lo reflejo con materiales ya que la antorcha es de madera y de magnesio, y lo moderno lo podemos ver en la forma, la cual es una abstracción de una hoja de olivo, este diseño representa fluidez, lo que buscaba el diseñador era que la antorcha de una manera muy intuitiva hiciera juega desde la mano de quien la cargaba hasta la flama olímpica, y le dio la oportunidad  de verla pasar a personas de los 5 continentes.

Torino 2006, aquí viene el ejemplo que mencionaba allá arriba de los monstruos del diseño, esta antorcha la diseña la marca Italiana Pininfarina la cual principalmente se dedica a diseñar automóviles, se dice por ahí que lo mas difícil de diseñar son los autos y Pininfarina es un haz para lograrlo, lo cual en lo personal admiro pero dire lo siguiente, “quédense diseñando autos” por que la antorcha de Torino 2006 es un diseño muy mal logrado, y no solo en estética, también funcionalmente hablando, esta antorcha fue sumamente criticada por que era muy grande y pesaba demasiado, recuerden el diseño debe estar centrado en el usuario.

Beijin 2008, esta Antorcha es un deleite que me hace pensar en Nagano 98, estos asiáticos hicieron bien su tarea, encontraron en su historia y mitología este motor de inspiración y crearon este diseño, la antorcha se inspira en unos rollos alargados de papel que suelen usar en esta cultura, y de la mitología tomaron esta forma como de nubes o olas de viento que significan suerte, con todo esto quisieron mostrar armonía y valla que lo lograron, esta antorcha se diseño para simbolizar la naturaleza, la alta tecnología y la gente que participaba en los juegos.

Vancouver 2010, esta antorcha fue diseñada por Bombardier y the Hudson’s Bay Company, a mi la primera impresión que me dio fue la de una navaja, no me encanta pero después de leer la explicación que dieron los diseñadores todo tuvo coherencia, la forma de antorcha nace de las fluidas lineas que dejan los skies sobre la nieve y el paisaje canadiense, esta blanca antorcha como la nieve, tiene un entresaque de hoja de maple, todo esto inspirado en el logo de la olimpiada el cual llaman un Inukshuk que significa, una pila de piedras que simulan una forma humana, esto lo suelen hacer la gente de Inuit.

Londres 2012 en lo personal no existe coherencia entre su lenguaje gráfico y el lenguaje de sus objetos, a pesar de que el logo de esta olimpiada me disgusta mucho, su antorcha no esta tan mal, siendo la tercera vez que los londinenses tenían una olimpiada, la firma de diseño Barber Osgerby pensó “por que no creamos una antorcha de tres lados”, la antorcha esta hecha de una aleación de aluminio y tiene 8000 perforaciones que representan las 8000 personas que cargaron la antorcha desde Atenas hasta Londres, a pesar de ser una de las antorchas mas grandes en la historia, tiene a su favor que es una de las mas ligeras, pesando simplemente entre 800 y 850 gramos, ademas funciona con gas propano-butano.

Y finalmente Sochi 2014, esta antorcha en lo personal tiene una buena estética, la verdad no la amo por que hace un juego de proporciones muy extraño dependiendo del ángulo donde la veas, sus colores Cromo y Rojo, el rojo según los rusos es su color por excelencia y debido a esto decidieron conservarlo en los detalles de esta antorcha, la cual se inspiro en las plumas de un ave fénix, ave que es parte del la cultura folklórica de Rusia, y es un buen motivo el que contiene esta antorcha.

Podría seguir hablando y hablando de este tema, realmente la primera olimpiada que recuerdo bien es la de 1992, me genero un gusto por la estética de su diseño y a su vez la funcionalidad, Coby (la mascota no el basquetbolista) era genial, recuerdo perfecto que en el año USA envío en el  basquetbol al dream team y todo esto sumado a mis 6 años de edad crearon un recuerdo que me dejo una cierta emoción por los Juegos Olímpicos y el diseño dentro de este acontecimiento.

¡Una vez mas Gracias por leernos :)!

atte.

Bty.mtz

American Industrial Design: Design in a Nutshell

Seguimos mostrando los cortitos de Design in a Nutshell estos mini mini documentales que resumen alguna parte de la historia del diseño,  recuerden que el diseño cambio America, funcionalmente, culturalmente e Intelectualmente, ¿podrá hacerlo con México?

Espero lo disfruten :)

Atte.

TeamH2.

Y hoy es día de blog! Les pido una gran disculpa por el retraso, pero no se apuren no fue su culpa :D!

 Y como ya lo habrán notado hoy hablaremos de códigos. Para hablar de códigos primero tenemos que saber que es. Un código puede definirse como un conjunto de normas que regulan una materia determinada, un sistema de signos que tienen un determinado valor, programaciones en las que se basan los sistemas de computación, la información contenida dentro de los seres vivos ó un método para ocultar mensajes (como la clave morse).

Todos estos significados nos sirven para darle un diferente sentido a la palabra “código”, pero se preguntaran que tiene que ver esto con el diseño.

Dependiendo de cómo veamos a los códigos es la relación que estos tienen en diseño, un ejemplo de esto es nuestro código genético o ADN, ya que este une los códigos de nuestros padres, los cuales nos brindan las características con las cuales nacemos y con las cuales podemos ser lo que somos. En las películas de ciencia ficción y del futuro estos códigos genéticos se alteran para crear a seres perfectos sin defecto alguno, es decir, “diseña a tu propio bebe”.

Adentrándonos más en cuestiones de diseño gráfico e industrial, los códigos nos ayudan a simplificar mensajes, como en la utilización de símbolos. Se puede decir que existen ciertos objetos que no necesitan darte una descripción para saber lo que son o que mensaje te quieren decir, solo con una simple señal puedes entenderlo.

Los códigos son una parte natural de la vida cotidiana, todo tiene un significado por mas simple que sea, y a través de los años se han establecido códigos que hasta parece que los tenemos programados de tan usuales que son en nuestras vidas. (un guiño, un saludo, un insulto)

Los primeros códigos que podemos datar a través de la historia, son los de los primeros humanos, con sus pinturas en las cavernas, de ahí podríamos derivar a los egipcios y a otras culturas con sus runas, así como los códigos de Sudamérica y los que aparecen en los campos de maíz. Todos estos vestigios de antiguos códigos nos muestran como fue la vida en el pasado y nos dan la oportunidad de seguir avanzando he ir creando y adoptando nuevas formas de códigos; tal vez en un futuro muy lejano los nuevos humanos (o no humanos) miren nuestros vestigios como códigos que descifrar.

Pero en fin, lo importante es saber que están ahí aunque los notemos o no.

Esta semana hablaremos de Códigos, así como el mundo esta rodeado de diseño, esta rodeado de códigos, el mismo diseño es un código, la vida misma y nosotros somos un código encriptado.

Entonces los códigos son mas que humanos de lo que pensábamos, por lo general cuando pensamos en códigos pensamos en maquinas, tecnología, programación web, etc. etc., pero todo esta relacionado a nosotros, en términos generales y biológicos estamos construidos por una serie de códigos que forman el ADN, y en conclusión también nosotros estamos diseñados.

Existen códigos que nos transmiten un discurso de entendimiento universal que esta por encima de lo humano, y es así como tomamos conceptos universales que transformamos en conceptos personales, la moda y su código de vestimenta por ejemplo, otro ejemplo de código son las reacciones químicas y fusiones de colores, que permiten a la naturaleza crear espectáculos fuera de este mundo, y su mejor escondite esta donde no podemos verlo, delante de nosotros, es por esto que los diseñadores debemos ser ¡cuidadosamente observadores! 

Todo este tema me hizo recordar 3 semanas atrás, ya que estuvo de visita por Monterrey el Diseñador Industrial Josh Owen, el vive en Rochester, New York, y se define así mismo como no solamente Diseñador si no también como un Educador, hijo de Antropólogos aprendió a observar su entorno desde muy pequeño, y tiene una teoría muy interesante acerca de los códigos que los humanos hemos dejado a través de la historia y que son una referencia para el futuro del mismo diseño.

El plantea que debemos relacionar las costumbres y objetos que teníamos en los orígenes  y aplicarlo al presente para diseñar el futuro un ejemplo que el presentaba eran las tablillas que se usaban en Mesopotamia para pasar información, y como la estructura y antropometría de estas son muy pero muy parecidas a la estructura y antropometría de un iphone que por cierto también es un dispositivo para transferir información, partiendo de este ejemplo Josh Owen infirió que los Objetos son herramientas de enseñanza, por lo cual cuando usas un objeto/artefacto te esta enseñando algo, y que es trabajo de los diseñadores crear cosa que contribuyan a la cultura, (entendamos por cultura, las costumbres. raíces, modo de vida, etc. que rodean a la sociedad o a un grupo de personas).

Todo este razonamiento nos lleva a que tenemos que descodificar el significado a través de la historia detrás del objeto que vamos a diseñar, y llevarlo a la mínima expresión de su función y que elementos los hace ser ese objeto, para después poder construir la estética del mismo, y posteriormente reflexionar sobre los hábitos y el trabajo al rededor de ese objeto, entonces el futuro será sustentable (Sustentable en todos los sentidos no solo en el relacionado con la naturaleza), y es así como nuestra vida esta rodeada por códigos y diseño, por lo tanto la vida del diseñador es o debe o mínimo debe pretender ser holística, para poder proveer soluciones que ayuden a mejorar la vida.

Por todo esto y muchas cosas mas, sean observadores y conserven su lado de antropólogos aun y cuando no sean diseñadores industriales :D y recuerden los pequeños indicios que la historia nos ha dejado.

“Everything around us is encoded with meaning”

Josh Owen

21/01/14

Gracias por leernos :D!

atte.

Bty.mtz

Pd. Theory-Practice-Education, Thanks Josh Owen for sharing with us your knowledge.

Foto1_Tablas de Surf de Mármol por Reena Spaulings

Foto2_Josh Owen en MARCO por btymtz

Foto3_Cube Jigger por Josh Owen